Amerikanische Künstler. 7 Meister, die die Welt überraschten

Amerikanische Künstler sind sehr vielfältig. Jemand war ein klarer Kosmopolit, wie Sargent. Er ist gebürtiger Amerikaner, hat aber fast sein gesamtes Erwachsenenleben in London und Paris gelebt.

Es gibt auch echte Amerikaner unter ihnen, die wie Rockwell nur das Leben ihrer Landsleute porträtierten.

Und es gibt Künstler, die nicht von dieser Welt sind, wie Pollock. Oder diejenigen, deren Kunst zum Produkt der Konsumgesellschaft geworden ist. Hier geht es natürlich um Warhol.

Sie sind jedoch alle Amerikaner. Freiheitsliebend, mutig, hell. Lesen Sie weiter unten über sieben davon.

1. James Whistler (1834-1903)

Whistler kann kaum als echter Amerikaner bezeichnet werden. Als Kind lebte er in Europa. Und er verbrachte seine Kindheit überhaupt ... in Russland. Sein Vater baute in St. Petersburg eine Eisenbahn.

Dort verliebte sich der Junge James in die Kunst und besuchte dank der Verbindungen seines Vaters die Eremitage und den Peterhof (damals waren es noch Paläste, die der Öffentlichkeit nicht zugänglich waren).

Warum ist Whistler berühmt? Egal in welchem ​​Stil er malt, vom Realismus bis zum Tonalismus*, man erkennt ihn fast sofort an zwei Merkmalen. Ungewöhnliche Farben und musikalische Namen.

Einige seiner Porträts sind Nachahmungen alter Meister. Wie zum Beispiel sein berühmtes Porträt „Die Mutter des Künstlers“.

Der Künstler hat erstaunliche Arbeiten mit Farben von Hellgrau bis Dunkelgrau geschaffen. Und etwas Gelb.

Das heißt aber nicht, dass Whistler solche Farben mochte. Er war ein außergewöhnlicher Mensch. Er könnte problemlos in gelben Socken und mit einem hellen Regenschirm in der Gesellschaft auftreten. Und das ist, wenn Männer ausschließlich in Schwarz und Grau gekleidet sind.

Er hat auch viel leichtere Werke als „Mother“. Zum Beispiel Symphony in White. So wurde das Bild von einem der Journalisten der Ausstellung genannt. Whistler gefiel die Idee. Seitdem bezeichnet er fast alle seine Werke musikalisch.

Doch dann, im Jahr 1862, gefiel die Symphonie dem Publikum nicht. Auch hier wegen Whistlers eigenwilligen Farbschemata. Den Menschen kam es seltsam vor, eine Frau in Weiß auf einen weißen Hintergrund zu schreiben.

Auf dem Bild sehen wir Whistlers rothaarige Geliebte. Ganz im Sinne der Präraffaeliten. Schließlich war der Künstler damals mit einem der Hauptinitiatoren des Präraffaelismus, Gabriel Rossetti, befreundet. Schönheit, Lilien, ungewöhnliche Elemente (Wolfshaut). Alles ist so, wie es sein sollte.

Doch Whistler entfernte sich schnell vom Präraffaelismus. Denn nicht die äußere Schönheit war ihm wichtig, sondern Stimmung und Emotionen. Und er schuf eine neue Richtung – den Tonalismus.

Seine nächtlichen Landschaften im Stil des Tonalismus wirken tatsächlich wie Musik. Monochrom, viskos.

Whistler selbst sagte, dass musikalische Namen dabei helfen, sich auf das Gemälde selbst, die Linien und die Farbe zu konzentrieren. Dabei ohne Rücksicht auf den Ort und die abgebildeten Menschen.

Tonalismus sowie nah dran ImpressionismusAuch die Öffentlichkeit zeigte sich Mitte des 19. Jahrhunderts nicht beeindruckt. Zu weit vom damals populären Realismus entfernt.

Aber Whistler wird Zeit haben, auf die Anerkennung zu warten. Am Ende seines Lebens wird sein Werk gerne gekauft.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Mary Cassatt wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren. Sie könnte ein sorgenfreies Leben führen. Heiraten und Kinder bekommen. Doch sie wählte einen anderen Weg. Er hat sich um der Malerei willen ein Zölibatsgelübde abgelegt.

Sie war mit befreundet Edgar Degas. Bekam am Mittwoch Impressionisten, für immer von dieser Richtung mitgerissen. Und ihr „Mädchen im blauen Sessel“ ist das erste impressionistische Werk, das die Öffentlichkeit sah.

Aber niemandem gefiel das Bild wirklich. Im 19. Jahrhundert wurden Kinder als gehorsam sitzende Engel mit lockigen Locken und rosigen Wangen dargestellt. Und hier ist ein Kind, das sichtlich gelangweilt ist und in einer zu entspannten Position sitzt.

Aber es war Mary Cassatt, die nie eigene Kinder hatte, die sie fast als erste so natürlich darstellte, wie sie sind.

Zu dieser Zeit hatte Cassatt einen schwerwiegenden „Fehler“. Sie war eine Frau. Sie konnte es sich nicht leisten, alleine in den Park zu gehen, um nach der Natur zu malen. Vor allem, um in ein Café zu gehen, in dem sich andere Künstler trafen. Alle Männer! Was blieb ihr übrig?

Veranstalten Sie eintönige Teepartys für Frauen in Wohnzimmern mit Marmorkaminen und teurem Teeservice. Das Leben ist gemessen und unendlich langweilig.

Mary Cassatt wartete nicht auf Anerkennung. Zunächst wurde sie wegen ihres Impressionismus und ihrer angeblich unvollendeten Gemälde abgelehnt. Dann, bereits im 20. Jahrhundert, war es stark „veraltet“, da der Jugendstil in Mode war (Klimt) und Fauvismus (Matisse).

Doch ihrem Stil blieb sie bis zum Schluss treu. Impressionismus. Weiches Pastell. Mütter mit Kindern.

Um der Malerei zuliebe gab Cassatt die Mutterschaft auf. Doch gerade in so zarten Werken wie „Sleeping Child“ manifestierte sich ihre Weiblichkeit zunehmend. Es ist bedauerlich, dass eine konservative Gesellschaft sie einmal vor eine solche Wahl gestellt hat.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent war sich sicher, dass er sein ganzes Leben lang Porträtmaler bleiben würde. Die Karriere verlief gut. Aristokraten standen Schlange, um ihm Befehle zu erteilen.

Doch einmal hat der Künstler nach Meinung der Gesellschaft die Grenze überschritten. Es fällt uns jetzt schwer zu verstehen, was an dem Film „Madame X“ so inakzeptabel ist.

Zwar hatte die Heldin in der Originalfassung eine der Bralettes weggelassen. Sargent hat sie „erzogen“, aber das hat dem Fall nicht geholfen. Die Befehle sind gescheitert.

Welche Obszönität sah die Öffentlichkeit? Und die Tatsache, dass Sargent das Model in einer übermütigen Pose darstellte. Darüber hinaus sind durchscheinende Haut und ein rosafarbenes Ohr sehr ausdrucksstark.

Das Bild sagt sozusagen, dass diese Frau mit gesteigerter Sexualität nicht abgeneigt ist, die Werbung anderer Männer anzunehmen. Außerdem verheiratet zu sein.

Leider haben die Zeitgenossen hinter diesem Skandal kein Meisterwerk gesehen. Dunkles Kleid, helle Haut, dynamische Pose – eine einfache Kombination, die nur die talentiertesten Meister finden können.

Aber es gibt kein Böses ohne das Gute. Im Gegenzug erhielt Sargent die Freiheit. Er begann mehr mit dem Impressionismus zu experimentieren. Schreiben Sie Kindern in unmittelbaren Situationen. So entstand das Werk „Nelke, Lilie, Lilie, Rose“.

Sargent wollte einen bestimmten Moment der Dämmerung festhalten. Ich habe also nur 2 Minuten am Tag gearbeitet, wenn die Beleuchtung stimmte. Gearbeitet im Sommer und Herbst. Und als die Blumen verdorrten, ersetzte er sie durch künstliche.

In den letzten Jahrzehnten kam Sargent so sehr auf den Geschmack der Freiheit, dass er begann, Porträts ganz aufzugeben. Obwohl sein Ruf bereits wiederhergestellt wurde. Er entließ sogar einen Kunden grob und sagte, dass er ihr Tor lieber malen würde als ihr Gesicht.

Zeitgenossen behandelten Sargent mit Ironie. Ich betrachte es im Zeitalter der Moderne als veraltet. Aber die Zeit hat alles an seinen Platz gebracht.

Jetzt ist sein Werk nicht weniger wert als das Werk der berühmtesten Modernisten. Nun ja, geschweige denn die Liebe des Publikums und nichts sagen. Ausstellungen mit seinen Werken sind stets ausverkauft.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Man kann sich kaum einen zu seinen Lebzeiten populäreren Künstler vorstellen als Norman Rockwell. Mehrere Generationen von Amerikanern sind mit seinen Illustrationen aufgewachsen. Ich liebe sie von ganzem Herzen.

Schließlich porträtierte Rockwell ganz normale Amerikaner. Aber gleichzeitig zeigen sie ihr Leben von der positivsten Seite. Rockwell wollte weder böse Väter noch gleichgültige Mütter zeigen. Und Sie werden mit ihm keine unglücklichen Kinder treffen.

Seine Werke sind voller Humor, saftiger Farben und sehr gekonnt eingefangener Ausdrücke des Lebens.

Aber es ist eine Illusion, dass Rockwell die Arbeit leicht gegeben wurde. Um ein Gemälde zu schaffen, machte er zunächst bis zu hundert Fotos mit seinen Modellen, um die richtigen Gesten einzufangen.

Rockwells Werk hatte einen enormen Einfluss auf die Gedanken von Millionen Amerikanern. Schließlich sprach er oft mit Hilfe seiner Bilder.

Während des Zweiten Weltkriegs beschloss er zu zeigen, wofür die Soldaten seines Landes kämpften. Er schuf unter anderem das Gemälde „Freedom from Want“. In Form von Thanksgiving, an dem alle Familienmitglieder satt und zufrieden den Familienurlaub genießen.

Nach 50 Jahren bei der Saturday Evening Post wechselte Rockwell zum demokratischeren Look-Magazin, wo er seine Ansichten zu sozialen Themen äußern konnte.

Das herausragendste Werk dieser Jahre ist „The Problem We Live With“.

Dies ist die wahre Geschichte eines schwarzen Mädchens, das eine weiße Schule besuchte. Seit der Verabschiedung eines Gesetzes dürfen Menschen (und damit auch Bildungseinrichtungen) nicht länger nach Rassengrenzen gespalten werden.

Doch die Wut der Bewohner kannte keine Grenzen. Auf dem Weg zur Schule wurde das Mädchen von der Polizei bewacht. Hier ist so ein „Routine“-Moment und zeigte Rockwell.

Wenn Sie das Leben der Amerikaner in einem leicht geschönten Licht kennenlernen möchten (wie sie es selbst sehen wollten), schauen Sie sich unbedingt Rockwells Gemälde an.

Von allen in diesem Artikel vorgestellten Malern ist Rockwell vielleicht der amerikanischste Künstler.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Im Gegensatz zu Rockwell war Wyeth nicht so positiv. Von Natur aus ein Einsiedler, versuchte er nicht, irgendetwas zu verschönern. Im Gegenteil, er schilderte die gewöhnlichsten Landschaften und unscheinbaren Dinge. Nur ein Weizenfeld, nur ein Holzhaus. Aber es gelang ihm sogar, etwas Magisches darin zu erspähen.

Sein bekanntestes Werk ist Christinas Welt. Wyeth zeigte das Schicksal einer Frau, seiner Nachbarin. Da sie seit ihrer Kindheit gelähmt war, kroch sie in der Gegend um ihren Bauernhof herum.

Es ist also nichts Romantisches an diesem Bild, wie es zunächst scheinen mag. Wenn Sie genau hinsehen, hat die Frau eine schmerzhafte Schlankheit. Und wenn man weiß, dass die Beine der Heldin gelähmt sind, versteht man mit Trauer, wie weit sie noch von zu Hause entfernt ist.

Auf den ersten Blick schrieb Wyeth das Alltäglichste. Hier ist das alte Fenster des alten Hauses. Ein schäbiger Vorhang, der bereits begonnen hat, in Fetzen zu zerfallen. Draußen vor dem Fenster verdunkelt sich der Wald.

Aber das alles hat etwas Geheimnisvolles. Ein anderer Blick.

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Alle Angelegenheiten Wyeths wurden von seiner Frau erledigt. Sie war eine gute Organisatorin. Sie war es, die Kontakt zu Museen und Sammlern aufnahm.

Es gab wenig Romantik in ihrer Beziehung. Die Musik musste erscheinen. Und sie wurde zu einer einfachen, aber außergewöhnlichen Helga. Das sehen wir in vielen Werken.

Es scheint, dass wir nur ein fotografisches Bild einer Frau sehen. Aber aus irgendeinem Grund ist es schwer, sich davon zu lösen. Ihre Augen sind zu komplex, ihre Schultern angespannt. Wir belasten uns sozusagen innerlich mit ihr. Es fällt mir schwer, eine Erklärung für diese Spannung zu finden.

Indem er die Realität bis ins kleinste Detail darstellte, verlieh Wyeth ihr auf magische Weise Emotionen, die niemanden gleichgültig lassen können.

Der Künstler wurde lange Zeit nicht anerkannt. Mit seinem Realismus, wenn auch magisch, passte er nicht in die modernistischen Trends des 20. Jahrhunderts.

Als Museumsmitarbeiter seine Werke kauften, versuchten sie, dies im Stillen zu tun, ohne aufzufallen. Ausstellungen wurden selten organisiert. Aber zum Neid der Modernisten waren sie immer ein voller Erfolg. Die Leute kamen in Scharen. Und sie kommen immer noch.

Lesen Sie im Artikel mehr über den Künstler Christines Welt. Andrew Wyeths Meisterwerk.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Es ist unmöglich, Jackson Pollock zu ignorieren. Er hat in der Kunst eine bestimmte Grenze überschritten, nach der die Malerei nicht mehr dieselbe sein konnte. Er zeigte, dass man in der Kunst generell ohne Grenzen auskommen kann. Als ich die Leinwand auf den Boden legte und sie mit Farbe bespritzte.

Und dieser amerikanische Künstler begann mit dem Abstraktionismus, in dem das Figurative noch immer zu finden ist. In seinem Werk „Shorthand Figure“ aus den 40er Jahren sehen wir die Umrisse sowohl des Gesichts als auch der Hände. Und sogar für uns verständliche Symbole in Form von Kreuzen und Nullen.

Seine Arbeit wurde gelobt, aber sie hatten es nicht eilig zu kaufen. Er war so arm wie eine Kirchenmaus. Und er trank schamlos. Trotz einer glücklichen Ehe. Seine Frau bewunderte sein Talent und tat alles für den Erfolg ihres Mannes.

Aber Pollock war ursprünglich eine gebrochene Persönlichkeit. Schon in seiner Jugend war aus seinen Taten klar, dass der frühe Tod sein Schicksal war.

Diese Zerbrochenheit wird ihn im Alter von 44 Jahren in den Tod führen. Aber er wird Zeit haben, die Kunst zu revolutionieren und berühmt zu werden.

Und er tat es in einer Zeit von zwei Jahren der Nüchternheit. Er konnte in den Jahren 1950-1952 erfolgreich arbeiten. Er experimentierte lange, bis er zur Tropftechnik kam.

Er breitete eine riesige Leinwand auf dem Boden seines Schuppens aus, umrundete sie und war sozusagen im Bild selbst. Und Farbe gesprüht oder einfach gegossen.

Diese ungewöhnlichen Gemälde wurden wegen ihrer unglaublichen Originalität und Neuheit bereitwillig von ihm gekauft.

Pollock war überwältigt vom Ruhm und verfiel in eine Depression, da er nicht wusste, wohin er als nächstes gehen sollte. Die tödliche Mischung aus Alkohol und Depression ließ ihm keine Überlebenschance. Einmal setzte er sich sehr betrunken ans Steuer. Nur ein letztes Mal.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Nur in einem Land mit einem solchen Konsumkult wie in Amerika konnte die Pop-Art entstehen. Und der Hauptinitiator war natürlich Andy Warhol.

Er wurde berühmt dafür, die gewöhnlichsten Dinge in ein Kunstwerk zu verwandeln. Das ist mit Campbells Suppendose passiert.

Die Wahl war kein Zufall. Warhols Mutter fütterte ihren Sohn mehr als 20 Jahre lang täglich mit dieser Suppe. Auch als er nach New York zog und seine Mutter mitnahm.

Nach diesem Experiment interessierte sich Warhol für den Siebdruck. Seitdem fotografiert er Popstars und malt sie in verschiedenen Farben.

So entstand seine berühmte gemalte Marilyn Monroe.

Es wurden unzählige solcher Marilyn-Säurefarben hergestellt. Art Warhol ins Netz gestellt. Wie in einer Konsumgesellschaft zu erwarten.

Bemalte Gesichter wurden von Warhol aus einem bestimmten Grund erfunden. Und wiederum nicht ohne den Einfluss der Mutter. Als Kind schleppte sie während einer längeren Krankheit ihres Sohnes Packungen mit Malbüchern zu ihm.

Dieses Kindheitshobby entwickelte sich zu etwas, das zu seiner Visitenkarte wurde und ihn sagenhaft reich machte.

Er malte nicht nur Popstars, sondern auch die Meisterwerke seiner Vorgänger. Verstanden und „Venus“ Botticelli.

Venus hat wie Marilyn viel getan. Die Exklusivität eines Kunstwerks wird von Warhol zu Pulver „gelöscht“. Warum hat der Künstler das getan?

Alte Meisterwerke bekannt machen? Oder umgekehrt versuchen, sie abzuwerten? Popstars verewigen? Oder den Tod mit Ironie aufpeppen?

Seine gemalten Werke von Madonna, Elvis Presley oder Lenin sind manchmal besser erkennbar als die Originalfotos.

Aber die Meisterwerke dürften kaum in den Schatten gestellt werden. Dennoch bleibt die Ur-Venus unbezahlbar.

Warhol war ein begeisterter Partygänger und zog viele Ausgestoßene an. Drogenabhängige, gescheiterte Schauspieler oder einfach nur unausgeglichene Persönlichkeiten. Einer von ihnen hat ihn einmal erschossen.

Warhol überlebte. Doch 20 Jahre später starb er allein in seiner Wohnung an den Folgen einer einst erlittenen Wunde.

US-Schmelztiegel

Trotz der kurzen Geschichte der amerikanischen Kunst ist die Bandbreite groß. Unter den amerikanischen Künstlern gibt es Impressionisten (Sargent), magische Realisten (Wyeth), abstrakte Expressionisten (Pollock) und Pioniere der Pop-Art (Warhol).

Nun, die Amerikaner lieben die Freiheit, in allem zu wählen. Hunderte von Konfessionen. Hunderte von Nationen. Hunderte Kunstrichtungen. Deshalb ist er der Schmelztiegel der Vereinigten Staaten von Amerika.

* Tonalismus – monochrome Landschaften in Grau-, Blau- oder Brauntönen, wenn das Bild wie im Nebel wirkt. Der Tonalismus gilt als Ableger des Impressionismus, da er den Eindruck des Künstlers von dem, was er sah, vermittelt.

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Englische Version des Artikels