Ausgewählte Künstlerin des Kunstarchivs: Ann Kullough

Treffen Sie den Künstler aus dem Kunstarchiv. Als Künstlerin visuell ansprechender Stillleben und Landschaften ist Anne bestrebt, mehr zu illustrieren, als man auf den ersten Blick sieht. Ihr dynamischer Stil fesselt den Betrachter und lässt ihn gewöhnliche Szenen und Objekte zweimal betrachten.

Diese Leidenschaft treibt ihre Arbeit an und fördert wiederum ihre herausragende Lehrkarriere und ihre beliebten Social-Media-Konten. Von der Werbung für ihre Last-Minute-Workshops bis hin zur Präsentation ihrer Techniken zeigt Ann meisterhaft, wie Unterricht und soziale Medien eine Kunstgeschäftsstrategie ergänzen.

Da sie davon überzeugt ist, dass der Verkauf von Werken erst der Anfang ist, teilt sie ihre Social-Media-Marketing-Tipps und was sie ihren Schülern beibringt, wie man außerhalb der Schule Künstler werden kann.

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Gehen Sie in das Atelier des Künstlers hinein (und hinaus).

1. STILLLEBEN UND LANDSCHAFTEN SIND DIE GRUNDLAGEN IHRER ARBEITEN. Was inspiriert Sie an diesen Themen und wie kamen Sie dazu, sich darauf zu konzentrieren?

Ich finde visuell interessante Dinge, die möglicherweise keine visuelle Bedeutung haben. Ich betrachte die Welt mit einem abstrakten Blick. Ich arbeite unabhängig vom Thema gleich. Da ich lieber nach dem Leben als nach Fotografien zeichne, wähle ich oft Stillleben als Motiv. Ich nutze Stillleben auch, um meinen Schülern die Bedeutung der direkten Beobachtung (Arbeiten aus dem Leben) für die Entwicklung eines geschulten Auges beizubringen.

Ich schaue mir an, was ich aus jedem Artikel herausholen kann, nicht nur, was er ist. Ich möchte etwas schaffen, das schön anzusehen ist; etwas Spontanes, Lebendiges, das das Auge stark bewegen lässt. Ich möchte, dass der Betrachter es mehr als einmal ansieht. Ich möchte, dass meine Arbeit mehr zeigt, als sie ist.

Ich zeichne seit meiner Kindheit, habe Kunst studiert und habe die Dinge immer rein visuell betrachtet. Ich suche nach interessanten Formen, Licht und allem, was mich dazu bringt, ein Objekt ein zweites Mal zu betrachten. Das ist es, was ich zeichne. Sie sind vielleicht nicht einzigartig oder unbedingt schön, aber ich versuche zu zeigen, was ich in ihnen sehe, was sie für mich einzigartig macht.

2. SIE ARBEITEN MIT VERSCHIEDENEN MATERIALIEN (AQUARELL, MUND, ACRYL, ÖL USW.), WAS ES ERMÖGLICHT, KUNST REALISTISCH UND IMPRESSIONISTISCH ZU MACHEN. Welche Tools verwenden Sie gerne und warum?

Ich mag alle Umgebungen für unterschiedliche Anwendungen und aus unterschiedlichen Gründen. Ich liebe Aquarell, wenn es um Ausdruck geht. Ich mag es, das Motiv richtig hinzubekommen und es dann mithilfe von Farbe, Textur und Strichen auf die nächste Ebene zu bringen.

Aquarell ist so unvorhersehbar und so flüssig. Ich betrachte es gerne als eine Reihe von Reaktionen, während ich jeden Schlag aufzeichne. Im Gegensatz zu den meisten Aquarellisten zeichne ich mein Motiv nicht zuerst mit Bleistift. Ich bewege die Farbe, um die Bilder zu erzeugen, die ich möchte. Ich verwende auch keine Aquarelltechnik, sondern male mit dem Pinsel – mal einfarbig, mal farbig. Es geht darum, das Thema auf Papier zu zeichnen, aber gleichzeitig darauf zu achten, was das Medium tut.

Die Art und Weise, wie Sie Farbe auf Leinwand oder Papier auftragen, ist genauso wichtig, wenn nicht sogar wichtiger als das Motiv. Ich denke, der Künstler sollte mit einer großartigen Struktur in Bezug auf die gesamte Zeichnung und Komposition beginnen, aber er muss noch mehr einbringen und dem Betrachter zeigen, wie er das Objekt wahrnimmt.

Was etwas einzigartig macht, was Lust darauf macht, es anzuschauen, ist immateriell. Es geht mehr um die Geste und den Moment als um die kleinen, winzigen Details. Das ist die ganze Idee von Spontaneität, Licht und Vibration, die ich in meine Arbeit einfließen lassen möchte.

3. Wie würden Sie Ihre Methoden als Künstler beschreiben? ARBEITEN SIE LIEBER IM STUDIO ODER SIND SIE DRAUßEN?

Ich bevorzuge es, wann immer möglich, immer aus dem Leben heraus zu arbeiten. Wenn ich drinnen bin, mache ich ein Stillleben. Ich zeichne unbedingt Stillleben aus dem Leben, weil man mehr sieht. Das ist schwieriger und schult das Auge darin, zu sehen, was man sieht. Je mehr Sie aus dem Leben schöpfen, desto mehr Tiefe werden Sie erreichen und ein besserer Zeichner werden.

Ich arbeite wann immer möglich gerne vor Ort, weil mir die Arbeit im Freien Spaß macht. Wenn ich drinnen bin, skizziere ich meine Kunstwerke normalerweise auf der Grundlage der Recherchen, die ich vor Ort durchgeführt habe, kombiniert mit einigen sehr schnellen Fotos. Aber ich verlasse mich mehr auf Recherche als auf Fotos – Fotos sind nur ein Ausgangspunkt. Sie sind flach und es hat keinen Sinn, dort zu sein. Ich kann nicht dabei sein, wenn ich an einem großen Werk arbeite, aber ich skizziere in meinem Skizzenbuch – ich liebe Aquarellskizzen – und nehme sie mit in mein Atelier.

Das Zeichnen aus dem Leben ist sehr wichtig, insbesondere für diejenigen, die gerade erst mit dem Zeichnen beginnen. Wenn Sie lange zeichnen, haben Sie genug Erfahrung, um ein Foto zu machen und daraus etwas mehr zu machen. Ein unerfahrener Künstler macht sich eine Kopie. Ich bin kein Befürworter der Fotografie und denke, dass Künstler das Wort „Kopie“ aus ihrem Wortschatz streichen sollten. Fotos sind nur ein Ausgangspunkt.

4 WAS UNVERGESSLICHE ANTWORTEN HABEN DU HAST DEINE ARBEIT?

Ich höre oft Leute sagen: „Wow, das ist so lebendig, so hell, es hat echte Energie.“ Die Leute sagen über meine Stadtansichten: „Ich könnte direkt ins Bild hineingehen.“ Solche Antworten machen mich sehr glücklich. Das ist es, was ich mit meiner Arbeit wirklich sagen möchte.

Die Handlungsstränge sind sehr lebendig und voller Energie – der Zuschauer sollte Lust haben, sie zu erkunden. Ich möchte nicht, dass meine Arbeit statisch wirkt, ich möchte nicht, dass sie wie ein Foto aussieht. Ich möchte hören, dass da „so viel Bewegung“ drin ist. Wenn man sich davon entfernt, entsteht ein Bild. Wenn man genau hinschaut, handelt es sich um eine Farbmischung. Wenn Sie die Werte und die Farbe an den richtigen Stellen haben, entsteht die Magie. Das ist Malerei.

Für diese Smart-Art-Tipps (oder Lesezeichen-Schaltflächen) müssen Sie einen Notizblock und einen Bleistift bereithalten.

5. DU HAST EINEN TOLLEN BLOG, ÜBER 1,000 INSTAGRAM-ABONNENTEN UND ÜBER 3,500 FACEBOOK-FANS. Was beeinflusst Ihre wöchentlichen Beiträge und wie haben soziale Medien Ihrem Kunstgeschäft geholfen?

Ich trenne meine Lehre nicht von meinem Kunstgeschäft. Ich betrachte es als integralen Bestandteil meiner Arbeit. Einen Teil meines Einkommens beziehe ich aus Kursen und Meisterkursen, den anderen Teil aus Malerei. Diese Kombination macht mein Kunstgeschäft aus. Ich nutze soziale Medien, um auf meine Arbeit aufmerksam zu machen, sie anderen vorzustellen und potenzielle Studierende zu erreichen.

Wenn ich noch ein oder zwei weitere Personen für die Durchführung meiner Workshops benötige, poste ich dies auf Facebook. Normalerweise beziehe ich die Leute mit ein, weil ich Beiträge über die in der Klasse unterrichteten Themen poste. Ich habe auch Leute, die potenzielle Sammler sind und zu Ausstellungen kommen, also ziele ich mit meinen Beiträgen auf meine Region, und die Leute kommen. Es zieht Menschen, die ich nicht kenne, in meiner Gegend an und trägt definitiv dazu bei, das Bewusstsein für meine Arbeit zu schärfen.

Ich habe so viele Social-Media-Beiträge, weil ich jedes Mal, wenn ich eine Demo mache, sie poste. Es gibt anderen Künstlern und zukünftigen Studenten eine Vorstellung davon, was ich unterrichte, wie ich an Themen herangehe und wie viel Arbeit es kostet, ein Meister zu werden.

Viele Anfänger können es kaum erwarten, das Niveau zu erreichen, auf dem sie wissen, was sie tun. Sie fragen, wann sie für die Ausstellung in der Galerie bereit sein werden. Es erfordert viel Zeit und ständige Anstrengung, ein Werk zu erstellen, bevor eine Galerieausstellung in Betracht gezogen wird. Ich schätze, wie viel Arbeit und Mühe es wirklich kostet.

Ich veröffentliche auch lehrreiche Inhalte für andere Künstler, die versuchen, die nächste Stufe zu erreichen. Das weist sie in die richtige Richtung und weckt ihr Interesse, in einem zukünftigen Kurs mit mir zusammenzuarbeiten.

Ich halte meine Blogbeiträge authentisch und positiv – das ist mir sehr wichtig. Es gibt viele Dinge, die für Anfänger nicht wichtig sind, deshalb möchte ich diesen Künstlern die Grundlagen vermitteln.

6. SIE SIND LEHRER DES NEW JERSEY FINE ARTS CENTER, DES HUNTERDON ART MUSEUM UND DES CENTER FOR CONTEMPORARY ARTS. WIE PASST DAS ZU IHREM KUNSTUNTERNEHMEN?

Ich mache immer Vorführungen und betrachte das Unterrichten als Teil meines Kunstgeschäfts. Einige meiner besten Zeichnungen stammen aus Vorführungen, die ich Schülern unterrichte.

Ich liebe es zu demonstrieren. Ich bin daran interessiert, den Lernenden Fähigkeiten zu vermitteln, die sie selbstständig anwenden können. Sie haben mehr aus dem Unterricht herauszuholen, wenn der Fokus auf dem Lernen liegt und nicht auf der individuellen Zeit im Studio.

Ich verwende meine eigene Arbeit als Beispiele. Ich nehme Studenten mit auf eine Reise. Ich beginne jede Lektion mit einer Demonstration. Ich habe immer ein Konzept, das ich in einer Demo hervorhebe, etwa Komplementärfarben, Perspektive oder Komposition.

Ich mache auch viele Plein-Air-Workshops, also kombiniere ich den Workshop mit ein paar Tagen Malen. Diesen Sommer unterrichte ich Pastell- und Aquarellmalerei in Aspen. Ich werde die Recherche nutzen, wenn ich für größere Projekte zurückkomme.

Ich kann gleichzeitig sprechen und zeichnen, es verwirrt mich wirklich nicht. Ich denke, einige Leute haben damit Probleme. Es ist wichtig, dass Ihre Demo Sinn ergibt. Sprechen Sie darüber und behalten Sie es im Kopf, um konzentriert zu bleiben. Stellen Sie sicher, dass dies ein sehr wichtiger Punkt bei dem ist, was Sie tun. Wenn ich an einem Auftrag arbeite, werde ich das natürlich nicht im Unterricht machen. Ich habe einige der großen Stücke im Unterricht gemacht und kleine Stücke zum Verkauf angefertigt. Wenn Sie unterrichten möchten, müssen Sie dazu in der Lage sein. Studierende, die Kunst studieren, sind visuelle Lernende.

7. WAS IST IHRE PHILOSOPHIE ALS LEHRER UND LEKTION NUMMER EINS MÖCHTEN SIE, DASS IHRE SCHÜLER SICH MERKEN?

Sei authentisch. Versuchen Sie nicht, jemand anderes als Sie selbst zu sein. Wenn Sie etwas haben, das stark ist, machen Sie das Beste daraus. Wenn es Bereiche gibt, in denen Sie schwach sind, sprechen Sie diese an. Melden Sie sich für einen Zeichenkurs oder einen Farbmisch-Workshop an. Erkennen Sie die Tatsache, dass Sie Ihre Schwächen bekämpfen und das Beste aus ihnen machen müssen.

Bleiben Sie dem treu, was Sie begeistert. Ich liebe es zu zeichnen und abstrakte Malerei, aber ich kann mir nicht vorstellen, jemals ein reiner abstrakter Künstler zu werden, weil ich zu sehr gerne zeichne. Das ist für mich als Künstler ein wichtiger Teil.

Entscheiden Sie nicht realistischer, was Sie zeichnen, um den Umsatz zu steigern, wenn das nicht das ist, was Sie wollen. Zeichnen Sie, was Sie antreibt und am meisten begeistert. Alles andere ist nicht Ihre beste Arbeit.

Arbeiten Sie an Ihren Schwächen und bauen Sie auf Ihren Stärken auf. Gehen Sie dem nach, was Ihnen wirklich am Herzen liegt, und schaffen Sie Erfolg. Verändern Sie sich nicht, um dem Markt zu gefallen, denn Sie können es nie allen recht machen. Deshalb erledige ich nicht viele Bestellungen. Ich möchte kein Bild einer anderen Person zeichnen und meinen Namen darauf schreiben. Wenn Sie kein Interesse daran haben, etwas zu zeichnen, tun Sie es nicht. Es ist besser, von ihm Abstand zu nehmen, als das Risiko einzugehen, Ihren Ruf als Künstler zu ruinieren.

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