Kunstarchiv Ausgewählter Künstler: Lawrence W. Lee

Treffen Sie den Künstler aus dem Kunstarchiv. Lawrence ist ein echtes Original und vor allem für seine unverwechselbaren schamanistischen Bilder bekannt. Er malt in seinem Atelier in Arizona für Fans der Kunst des Südwestens. Die starke, sofort erkennbare Marke ist kein Zufall. Dieser kluge Geschäftsmann versteht sein Publikum und geht auf dessen Geschmack ein. Lawrences Werk spiegelt die Farben und Themen des amerikanischen Südwestens in all seiner Mystik und Magie wider. Diese kluge, strategische Herangehensweise an die Kunst hat es Lawrence seit 1979 ermöglicht, seinen Lebensunterhalt ausschließlich als Künstler zu verdienen und Gemälde im Wert von mehreren Millionen Dollar zu verkaufen.

Lawrence ist eine endlose Quelle unschätzbarer Ratschläge für die Kunstkarriere und erzählt, wie er die Kunst schafft, die Käufer wollen, sei es durch sorgfältige Recherche seines Kundenstamms oder durch die Weiterentwicklung seines Stils, wenn sich der Markt verändert.

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1. BILDER VON SCHAMANEN UND BILDER DES SÜDWESTEN AMERIKAS IN IHREN WERKEN. Woher lassen Sie sich inspirieren und wie haben sich die Orte, an denen Sie gelebt haben, auf Ihren Stil ausgewirkt?

Ich habe den größten Teil meines Lebens in Tucson, Arizona, verbracht. Ich bin mit 10 Jahren hierher gezogen und habe an der Northern Arizona University studiert. Dort lernte ich die Navajo- und Hopi-Kultur ein wenig kennen. Als ich Doktorand war, war mein Mitbewohner ein Hopi, der in Second Mesa geboren wurde und noch Frau und Kind hatte. Von Zeit zu Zeit stiegen er und ich in seinen alten Pickup und fuhren in den nebligen frühen Morgenstunden durch die Ebenen von Nord-Arizona zu den magischsten Orten. Seine Frau war so freundlich, mir Geschichten aus der Hopi-Tradition zu erzählen, wie zum Beispiel die Geschichte der Spinnenfrau, die den Menschen das Weben beibrachte. Ich weiß nicht, ob es die direkte Ursache für das war, was ich tue, aber ich werde nie das Gefühl vergessen, das mich durchströmte, als wir durch diese Wüstenstraßenabschnitte mit violetten Tafelbergen in der Ferne fuhren, wie die ersten goldenen Farbton der Sonne. begann in unsere Umgebung einzudringen. Das Bild ist so stark, dass es mich jahrzehntelang begleitet hat.

Als ich anfing, meine Kunst zu zeigen, zeichnete ich Bilder von Menschen. Ich dachte, ich würde großartige Dinge leisten, aber die Leute auf Kunstausstellungen sagten: „Warum sollte ich jemanden, den ich nicht kenne, an meiner Wand hängen lassen?“ So sehr ich auch argumentierte, ich konnte das Gemälde einfach nicht verkaufen. Ich erinnere mich – durch den Dunst der Jahrzehnte –, dass ich in meinem Wohnzimmer diesen traurigen Zustand beklagte und mir das Profilbild einer Frau ansah, das ich aus einer Galerie bekam. Da ich im Südwesten war, beschloss ich, dem Bild etwas Südwesten hinzuzufügen. Ich steckte den Stift in ihr Haar und brachte das Gemälde zurück in die Galerie. In einer Woche verkauft. Die Lehre aus diesem Vorfall war, dass das Bild offensichtlich begehrenswert wurde, sobald ich etwas wie Indianer hinzufügte. Mir wurde klar, dass Menschen, die nach Tucson kommen, egal ob sie zu Besuch sind oder dort leben, viel mit der indianischen Kultur zu tun haben. Jetzt musste ich eine Entscheidung treffen, da ich herausgefunden hatte, dass ich ein unerwünschtes Gemälde in einen Teil einer romantisierten Kultur verwandeln konnte, den die Leute mit nach Hause nehmen konnten. Ich musste mich damit abfinden, ob ich diesen Weg gehen wollte oder nicht, und ich entschied, dass es sich lohnte. Durch das Hinzufügen von Federn, Perlen und Knochenketten konnte ich Bilder der Menschen zeichnen, die ich zeichnen wollte, und es schien mir ein geringer Preis zu sein. Die Ausrüstung verbesserte die Figuren, die ich machte, und wurde zu einem integralen Bestandteil meiner Überlegungen zu diesen Figuren und nicht nur zu einem Mittel zur Steigerung der Käuflichkeit. Ich verdiene seit 1979 gutes Geld und habe Gemälde im Wert von mehreren Millionen Dollar verkauft.

2. Die meisten Ihrer Arbeiten sind eine Unschärfe zwischen Realismus und Abstraktion. WARUM MISCHEN SIE DIE ELEMENTE UND WIE HABEN SIE IHREN ANDEREN STIL ENTDECKT?

Ich bin in den 1960er Jahren aufs College gegangen, und in den 1960er Jahren wurde von einem, der sich auf den Bachelor of Fine Arts vorbereitete, abstrakte oder nicht objektive Arbeiten erwartet. Das figurative Werk wurde als antiquarisch wahrgenommen, es war nicht modern genug. Alles, was über die menschliche Figur gesagt werden musste, war bereits gesagt und spielte keine Rolle mehr. Ich schöpfte wie alle anderen aus dem Leben, machte aber keine nennenswerte figurative Arbeit, weil ich im Unterricht lächerlich gemacht werden würde und meinen Abschluss nicht machen würde. Doch unmittelbar nach meinem Abschluss erhielt ich vom Hauptbibliothekar der Northern Arizona University den Auftrag, sechs Gemälde für eine im Bau befindliche neue Bibliothek anzufertigen. Ich hatte gerade meinen Bachelor of Arts abgeschlossen und musste mir keine Sorgen machen, dem Professor zu gefallen, also beschloss ich, figurative Bilder lose auf der Grundlage von Coleridges Kubla-Khan-Gedicht zu erstellen.

Das war der Anfang, und ich glaube, ich hatte schon immer eine schrullige Natur. Im Laufe der Jahre entwickelten die Figuren ein Eigenleben. Strukturell sind sie zu anatomisch unmöglichen Figuren geworden, die ich fast als menschlich bezeichne. Kürzlich hatte ich die Gelegenheit, einen Blick auf einige der Dinge zu werfen, die ich im College und kurz nach meinem Abschluss gemacht habe. Ich war verblüfft, kleine Kreise, Blasen, Wirbel, Wirbel und Figuren darin zu sehen, die zu groß waren und zu schmale oder zu breite Schultern hatten. Ich hatte vor all den Jahren keine Ahnung, dass diese Ideen in meinen künstlerischen Kopf eindringen. Ich wusste nicht, dass ich die ganze Zeit das gleiche Lied sang und nur neue Wörter und neue Verse hinzufügte.

3. WAS IST EINZIGARTIG AN IHREM STUDIORAUM ODER IHREM KREATIVEN PROZESS?

Es wird oft gesagt, dass die wichtigste Linie in einer Zeichnung die erste Linie ist, weil alles andere mit ihr verbunden ist. Ich verwende ein kleines Stück Weinrebenholzkohle. Der Weinstock zerfällt nicht zu Asche, sondern verwandelt sich beim Verbrennen in ein Stück Holzkohle, wenn nicht genügend Sauerstoff für eine vollständige Verbrennung vorhanden ist. Ich habe andere Materialien verwendet, habe aber im College angefangen, dieses zu verwenden. Ich verwende es zum Erstellen der ersten Linie und bis zum Ende der Zeichnung. Wenn nachts jemand käme und meine Holzkohle vom Weinstock stiehlt, könnte ich kein weiteres Bild malen. Das ist das Tool, das ich am besten kenne. Wenn Sie etwas jahrzehntelang nutzen, wird es zu einer Erweiterung Ihrer selbst.

Wenn sich Dinge ändern, etwa wenn Leinwandhersteller den Baumwolllieferanten wechseln oder wenn sie die Leinwand anders spannen oder eine neue Grundierung verwenden, brauche ich Wochen, um mich anzupassen, und manchmal gelingt es mir nicht. Manchmal muss ich es abschleifen oder weitere Putzschichten auftragen. Seit Jahren verwende ich denselben Pinsel, dieselbe Nummer und denselben Stil, um meinen Namen auf meinen Bildern zu signieren. Es war eine Verlängerung meiner Hand. Als ich nach meiner Pensionierung wieder mit dem Malen begann, konnte ich diese Pinsel nicht mehr finden. Ich male jetzt seit zwei Jahren und es fällt mir immer noch schwer, meinen Namen zu schreiben, weil der Pinsel nicht mehr derselbe ist. Es macht mich verrückt. Ich skizziere auch – mit einem trockenen Pinsel, der ein wenig E-Farbe in den Tälern des Gewebes hinterlässt. Das ist wirklich Schrubben, und wenn man mit einer Bürste schrubbt, verliert man die Bedeutung. Er nutzt sich ab. Die Pinsel, die mir am besten gefallen, sind perfekt für mich. Wenn ich mit spitzen, hüpfenden Pinseln beginnen müsste, wäre ich nicht in der Lage, das zu tun, was ich tue.

4. SIE BEDIENEN KUNSTKÄUFER FÜR WOHN- UND ÖFFENTLICHE KUNSTWERKE. Wie hat sich das auf Ihre Karriere ausgewirkt und wie sind Sie in die öffentliche Kunst eingestiegen?

Die Trennung von öffentlich und privat auf meiner Website ist ein Design, für das ich mich vor einigen Monaten entschieden habe, obwohl Konzerne und Unternehmen meine Arbeiten seit Jahren kaufen. IBM kaufte Mitte bis Ende der 1970er Jahre sechs meiner Stücke. Viele Unternehmen und öffentliche Einrichtungen haben sie gekauft. Die Käufer mussten sehr mutig sein, denn meine Bilder sind intensiv und konfrontativ. Ich habe im College gelernt, dass man seine Komposition nicht zentrieren oder Schwarz verwenden sollte. Aber ich musste diese Regeln ignorieren, damit ich tun konnte, was in meinem Kopf vorging – diese konfrontativen Kreaturen. In den 1970er Jahren, als meine Karriere begann, waren die eigensinnigen, sehr reichen und sehr selbstbewussten Immobilienentwickler im Südwesten meine Hauptkundschaft. Sie kauften oft meine Bilder und platzierten die stärksten davon an ihrem Tisch, um ihre Macht zu erhöhen und jeden einzuschüchtern, der vor dem Tisch saß. Anfang der 1980er Jahre gab es eine Spar- und Kreditkrise, ähnlich den Bankenkrisen, die wir gerade erlebt haben. Die Leute hielten sich schnell und nachlässig an die Regeln. Plötzlich waren diese Multimillionärsentwickler mittellos und auf der Flucht vor dem Justizministerium.

Plötzlich waren meine Verkäufe fast verschwunden. Aber ich wusste, dass das Geld nirgendwo hingegangen war: Jemand anderes hatte es. Und ich habe beschlossen, dass es jetzt in den Händen der Anwälte der Entwickler liegen sollte. Also habe ich darüber nachgedacht, was Anwälte in ihren Kanzleien wollen. Sie werden etwas wollen, das eine glänzende Zukunft und eine große Siedlung verspricht. Ich habe mein Bestes getan, um meinen imaginären Wunsch seitens der Anwälte zu erfüllen, und habe meine Zahlen umgekehrt. Ich habe sie von hinten gezeichnet. Ich könnte es tun, weil alle Arten indischer Zeremonien wundervolle Kostüme beinhalten. Sie warteten offensichtlich auf etwas, und es sollte eine glänzende Zukunft sein. Sobald ich das tat, fingen meine Bilder wieder an, sich zu verkaufen. Nach ein paar Jahren und nachdem genügend Leute gefragt hatten, bekam ich meine Nummern zurück.

5. WARUM HABEN SIE NACH DEN FAST AUSSCHLIESSLICH GEMALTEN SCHAMANEN MIT DER MALEREI VON LANDSCHAFTEN UND STILLLEBEN BEGONNEN?

Meine Bilder sind sehr intensiv und fast alle haben einen konfrontativen Blickkontakt. In vielen Fällen glauben die Leute nicht, dass sie für den öffentlichen Raum geeignet sind, also mache ich zum ersten Mal seit 40 Jahren wieder Landschaften. Ich entdeckte Teile von mir selbst, die ich im Laufe meiner Karriere unterdrücken musste. Ich muss die Leute davon überzeugen, dass es in Ordnung ist, Lawrence Lee zu lieben, der kein ausgesprochen schamanistischer Quasi-Indianer ist. Seit 1985 bin ich Künstler und Mitglied des privaten Mountain Oyster Club. Es wurde 1948 von einer Gruppe wohlhabender junger Polospieler gegründet, die beschlossen, einen eigenen Laden zu besitzen. Sie liebten die Kunst des Südwestens, insbesondere die Cowboy-Kunst. Sie starteten eine jährliche Kunstausstellung, um Geld zu sammeln, und sie wurde so erfolgreich, dass sie einige der besten Künstler und Cowboys des Südwestens anzog. Wenn man bei MO keinen Job hatte, war man nichts.

In den 1980er Jahren verließen oder starben die meisten Gründungsmitglieder und ein Mann entschied, wer die Show übernehmen sollte. Du musstest in die Sichtlinie dieses Kerls gelangen, damit er dich anrufen und in dein Studio kommen konnte. An diesem Punkt wird er die endgültige Entscheidung treffen. Sie haben eine jährliche Show, die immer noch sehr gut ist, aber hauptsächlich Cowboy-Arbeit. Aber meine Arbeit war schon immer zu groß und zu seltsam. Ich habe nie verstanden, warum er beschlossen hat, mich hereinzulassen. Deshalb habe ich dieses Jahr beschlossen, einige ganz besondere Dinge für die Menschen zu tun, die jedes Jahr zum Verteidigungsministerium gehen. Das brachte mich dazu, über Stiefel und Sporen nachzudenken. Ich muss meine künstlerischen Fähigkeiten auf dieses spezielle Thema anwenden. In all diesen Teilen verwende ich eine Teilmenge der größeren Formen. Ich kann mich auf die Unterseite des Stiefels, den Steigbügel oder den Sporenteil des Sattels konzentrieren, weil ich das denke. Normalerweise versuche ich, eine gewisse kognitive Dissonanz in meine Arbeit einzubauen, wie eine Blase oder einen Schmetterling, und ich weiß nie, was als nächstes passieren wird. Der Einstieg in dieses Feld war eine geschäftliche Entscheidung und entstand aus der Überzeugung heraus, dass ich am Ende meiner Karriere gute Bilder malen konnte, die nicht schamanistisch waren.

6. IHRE KUNST WIRD ÜBERALL AUF DER WELT IN ORTEN WIE JAPAN, CHINA UND IN GANZ EUROPA GESAMMELT. Welche Schritte haben Sie unternommen, um Kunst außerhalb der USA zu verkaufen und internationale Anerkennung zu erlangen?

Im Großen und Ganzen musste ich dafür keinen einzigen Schritt außerhalb von Tucson machen, denn dies ist ein eigenständiger Ort für Reisende aus aller Welt. Arizona hat das Monument Valley, den Grand Canyon und Old Pueblo. Menschen aus der ganzen Welt kommen hierher und wollen etwas Magie mit nach Hause nehmen, also ist meine Kunst perfekt. Von Galerien oder Freunden von Freunden erfahre ich, dass sich eines meiner Werke im Besitz eines ausländischen Sammlers befindet. Jemand wird sagen: „Diese Galerie schickt übrigens eines Ihrer Werke an eine Person in Shanghai.“ Im Großen und Ganzen ist genau das passiert. Ich hatte eine Einzelausstellung in Paris, aber selbst das lag daran, dass eine Modedesignerin aus Paris, die in Tucson Urlaub machte, mich kontaktierte, weil sie meine Arbeiten dort zeigen wollte.

7. SIE WAREN AUF EINER BEEINDRUCKENDEN ANZAHL GROSSER AUSSTELLUNGEN. Wie bereiten Sie sich auf diese Veranstaltungen vor und welche Ratschläge geben Sie anderen Künstlern?

Eine Sache, die viele Künstler nicht verstehen, ist, dass die Menschen normalerweise Kunst kaufen möchten, die sie in ihren Häusern begleiten können. Wenn Sie in Gegenden außerhalb von New York, Los Angeles, Brüssel usw. ein hochkarätiges Konzeptkunstwerk erstellen, das eine Aussage über die menschliche Entwicklung darstellt, dargestellt durch gummierte Schaumwürmer, die von der Decke über mit künstlich gesüßtem Kaffee gefüllten Babybecken hängen. , werden Sie wahrscheinlich niemanden finden, der es für sein Zuhause kauft. Sie müssen verstehen, dass Sie, wenn Sie mit solchen Dingen Ihren Lebensunterhalt verdienen wollen, in eine Stadt ziehen müssen, die diese Art von Kunst akzeptiert. Mein Rat: Betrachten Sie Ihre Kunst so, als wären Sie ein potenzieller Käufer. Wenn Sie dies tun, werden Sie viel verstehen können.

Vor vielen Jahren habe ich in San Francisco ausgestellt und konnte nichts verkaufen. Ich war deprimiert, bis ich darüber nachdachte und eine gründliche Recherche durchführte. Ich stellte fest, dass in den meisten Häusern, die Leuten gehörten, die meine Arbeiten kaufen konnten, die Wände dafür zu klein waren. Wenn ich in San Francisco leben würde, würde ich das fast instinktiv wissen. Wenn ich in einem dreistöckigen alten viktorianischen Haus in der Nähe des Union Square wohne, welche Dinge würde ich dann gerne an meine Wände hängen? In Tucson möchten die meisten Menschen Dinge mit südwestlichem Flair an ihren Wänden haben, es sei denn, sie sind in Boston geboren und aufgewachsen und möchten ihre Segelboote mitbringen. Es ist wichtig zu wissen, wo Ihre potenziellen Käufer leben. Was würden Sie als potenzieller Käufer gerne über den Künstler wissen? Wenn Sie Fragen zu einem Künstler haben, werden Ihre potenziellen Käufer die gleichen Fragen zu Ihnen haben. Mit anderen Worten: Geben Sie Ihr Bestes, um herauszufinden, was Ihre potenziellen Kunden wollen, und versuchen Sie, es ihnen zu bieten.

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